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Acercamiento musical a partir de una pintura del impresionismo
El experimento nace de conocer que tanto puede afectar el conocer el contexto de una pintura impresionista, esto puede ser aplicado a cualquier otro tipo de genero ya sea musical, o de artes plásticas y escénicas en general, lo más importante es que se tenga en cuenta que tanto importa conocer acerca de cualquier género antes de empezar a expresar nuestras propias ideas. Nuestro experimento consistía en mostrarles a dos músicos intérpretes del violín una misma pintura impresionista, ellos tenían un par de minutos para observar detenidamente la pintura y crear una melodía la cual reflejara la apreciación que tienen de la obra y el sentimiento, o concepto que les evoca dicha obra. Uno de los dos intérpretes ya conocía acerca del contexto de la obra, datos como año de composición y contexto histórico, y tipo de periodo en el cual esta categorizada la obra, el otro intérprete desconocía por completo cualquier dato de la obra. Tuvimos presente un tempo, una dinámica y una tonalidad como parte de su entendimiento de la pintura para los dos intérpretes. Luego de haber recopilado los materiales de ambos intérpretes, notamos que las diferencias eran muy sutiles en cuanto a la interpretación, fue por eso que decidimos desviar un poco lo que habíamos pensado desde inicio que era mostrar las grandes diferencias que podía verse en cuanto a conocer el contexto de una obra como esta y decidimos hacer una composición a partir de los motivos expuestos por cada uno de ellos para así poder llegar a responder esta pregunta ¿Cuál será el resultado de fusionar las ideas musicales de ambos intérpretes que dé cuenta de las emociones percibidas en la obra en general? Fue por eso que a partir de la recopilación de los motivos nos basamos en la composición “Come Out” y “Violin Phase” del compositor Steve Reich para hacer la nuestra y mirar el resultado final. -
Impresiones colombianas
Este proyecto consiste en la elaboración de un arreglo con sonoridades impresionistas de las obras “Pueblito viejo” y “Soy colombiano”, obras que se caracterizan por ser del repertorio popular de la región andina colombiana. Presenta el resultado de la creación de atmósferas sonoras dentro de las cuales se dibujan las melodías de los dos temas colombianos en un formato instrumental donde la idea principal es mezclar instrumentos tradicionales colombianos con otros característicos del impresionismo francés. Los instrumentos melódicos que presenta el arreglo son la flauta traversa y la bandola, el apoyo armónico estará a cargo del piano.
Cada una de las líneas melódicas presentan una rearmonización a partir de acordes que no siguen ningún patrón tonal estricto en el piano, acordes con notas agregadas como séptimas, novenas, colores propios del impresionismo (Debussy) ajenos a nuestra música y también basados en los arreglos de Ruth Marulanda. En el proceso de composición del arreglo se permite conocer el comportamiento de cada instrumento y a partir de eso la realización del arreglo de cada instrumento.
Para hacer permanente la obra se realizó una grabación de audio y video en bloque en el auditorio Pablo VI de la Pontificia Universidad Javeriana. -
Paramecio: Secuenciador Electroacústico Polifónico
Nuestra propuesta fue elaborar un instrumento electrónico polifónico interactivo que
analiza una superficie traslúcida y sigue los movimientos, la naturaleza, la posición y la
orientación de los diferentes patrones presentados objetos físicos, situados sobre la
superficie, por medio de visión artificial.
Al mover y relacionar los objetos por la superficie del tablero, se modifica la altura y la
ubicación de los pulsos sobre el tiempo, del sintetizador de sonido.
Con este proyecto queremos demostrar una de las numerosas, casi infinitas
posibilidades que hoy en día tenemos gracias a la tecnología, para los procesos de
composición y/o interpretación musical, con mayor precisión. Así mismo, qué clase de
estética musical es producida, siendo influenciados directamente por la tecnología.
Los diferentes patrones utilizados en este proyecto fueron producidos por reacTIVision.
Este un framework de visión por computador, multiplataforma y de código abierto/open
source para el seguimiento rápido de marcadores fiduciales unidos a objetos físicos.
A cada uno de estos patrones le corresponde un número de identificación, que va del
número 1 al 216. Interconectando este software con otro, es posible programar
acciones a cada una de las “amebas”.
En nuestro proyecto hemos decidido realizar la interconexión con el software Max, de
Cycling ‘74. Este software permite la construcción y manipulación sonora, por medio de
un lenguaje de programación visual para música y multimedia. -
Minimalismo audiovisual
Trabajo realizado para la clase de Historia de la Música IV, primer semestre de 2018.
Este proyecto se basó en las características y conceptos propios del minimalismo clásico del Siglo XX, por lo tanto se realizó un análisis previo para comprender y extraer dichos elementos que forman parte de este tipo de composición. Posteriormente, se procede a realizar la composición de la obra musical (para dos guitarras y sintetizador) tomando como objeto estructural un motivo que sería alterado, tanto en longitud como en velocidad, para conseguir la sonoridad deseada. Estos procesos aplicados al motivo principal se centraron en crear momentos de desfase entre los 3 instrumentos, con el objetivo de lograr la percepción auditiva base del Estilo.
Posteriormente, se definió el papel que desempeñaría el sintetizador en la obra, el cual sería el de reproducir el motivo principal, sin alteraciones y de manera constante durante las dos primeras partes de la obra, básicamente seria la base sobre la cual las guitarras realizarían los procesos ya descritos. Teniendo claro lo anterior, se definió que el protagonista de la tercera parte de la obra seria el sintetizador, por lo que se añadió en esta un bajo reproducido por el sintetizador como elemento contrastante pero acorde al motivo principal, y luego se reduce la velocidad de reproducción del instrumento, con el objetivo de realizar un desfase con respecto a las guitarras. Cabe aclarar que lo anterior se diseña como una sección de contraste con respecto a lo ocurrido en las etapas tempranas de la obra.
Finalmente, se realiza una animación construida sobre tres triángulos superpuestos, los cuales son movidos y alterados con relación a la pieza musical ya compuesta. Lo anterior se realiza en vivo mientras se escucha la obra, pero se limita a mantener una estética sobria que encaje bien con la sonoridad de la pieza de arte musical. Además, Resulta imperativo mencionar que esta animación tiene un alto nivel de improvisación, aunque este limitado por las características propias del estilo. -
Concrète Carrousel: Un tributo a DJ Schaeffer
El presente trabajo corresponde a una investigación creativa cuyo resultado es una interpretación de un instrumento musical reciente dentro de la organología contemporánea y de la música popular del Siglo XX: Los tornamesas. Este instrumento emerge dentro del movimiento afro-norteamericano nacido a principios de la década de los 70s conocido como Hip-Hop, en el cual fue empleado para mezclar canciones durante las fiestas en la zona del Bronx al norte de la ciudad de Nueva York, desarrollándose una técnica al redededor de las secciones instrumentales de las canciones conocidas como Break prolongándolas y usándolas para que el animador de la fiesta, el MC o maestro de ceremonia, tomara el micrófono para dar origen al canto Rap mientras los asistentes bailaban de una forma novedosa. La cultura Hip-Hop nació alrededor de dos tornamesas mezclando vinilos y empleando técnicas de ruido como el Scratch, la cual, hoy en día tiene múltiples variaciones. Los DJs afro norteamericanos del Bronx hacían música concreta sin saberlo. El estilo musical desarrollado por el francés Pierre Schaeffer a partir de la década de los 30s que consiste en hacer música con sonidos concretos, físicos, valiéndose de la tecnología de la época como cintas magnetofónicas, vinilos de fonógrafo y elementos de la radiodifusora francesa. Tanto las técnicas de Hip Hop como de la música concreta, las cuales añaden elementos de ruido y tecnología a la manifestación musical del ámbito en que se encuentran, revolucionaron la noción estética y la manera como se concibe la interpretación musical, ampliando el rango de técnicas y recursos, resignificando el concepto de elementos sonoros en dirección a los instrumentos musicales. Por lo anterior, he querido hacer una demostración de la conclusión de esta investigación: Que Pierre Schaeffer fue el primer DJ de la historia, y que el Hip-Hop es música concreta.
En este sentido, mi interpretación consiste en una mezcla improvisada de una canción de un género afin al Hip-Hop, como la canción Baby Be Mine del álbum Thriller del Cantante Michael Jackson del año 1982. Con dos copias de vinilo del mismo álbum, una en cada tornamesa, decidí aplicar una técnica de Hip-hop llamada carrusel, la cual consiste en repetir una sección de la canción en forma de loop, y tambien, a través de un incipiente uso de la técnica del Scratch, aproximarme a las técnicas de de música concreta, influenciado por el trabajo Cinco estudios sobre el ruido, de Pierre Schaeffer. La intención fue juntar estos dos conceptos, al tiempo que añadir al performance elementos de improvisación y deconstrucción de una canción de género popular. -
Experimenta en 360
La realidad virtual es un material audiovisual interactivo cuya popularidad ha aumentado grandemente en los últimos años. Asumiendo la relevancia que han ganado este tipo de manifestaciones de entretenimiento, decidimos realizar un proyecto artístico que incursionara en este campo. Paralelamente a este interés, manifestamos un gusto común por la corriente musical del minimalismo. Esta corriente apuntaba a un estilo de composición simplificado en su lenguaje, en el cual el ritmo significaba un aspecto de vital importancia, y en varios compositores solía integrarse a través de un proceso de adición y sustracción de patrones. Un ejemplo claro de esta característica puede encontrarse en “An opera with objects”, una obra de Alvin Lucier cuyo propósito es "... explore the resonant properties of various ordinary objects and one way I do this is to take two pencils." en palabras del propio Lucier. Tuvimos la oportunidad de acercarnos a esta obra gracias al montaje de la misma por parte del Ensamble Experimental de la carrera de estudios musicales, dirigido por el Maestro Antonio Correa.
Teniendo en claro los puntos de interés y los elementos disponibles para poder integrar los dos puntos mencionados anteriormente, decidimos realizar un video en 360° de la interpretación de la obra mencionada. La grabación fue realizada en el Estudio 3 de la facultad de artes con todos los estudiantes que hacen parte del ensamble. La imagen fue capturada con la cámara Samsung 360 Gear, mientras que el audio fue captado con una adaptación de la técnica cuadrafónica IRT Cross, además de ciertos spots estratégicos. El montaje realizado por el ensamble experimental se basó en 3 “estaciones sonoras” donde los intérpretes podían acercarse y lograr sonoridades particulares con su par de lápices. Principalmente estaba un grupo de atriles que poseían todo tipo de elementos, por otro lado, un piano de cola con la tapa abierta, y finalmente un tablero de clase. Se realizaron varias tomas en las que los intérpretes se desplazaban por las diferentes estaciones y sacaban diferentes sonoridades de los objetos que estaban en el lugar.
Finalmente procedimos a juntar audio y video en Pro Tools, gracias al aplicativo 360 Pan Suite, donde pudimos ubicar correctamente en el espacio todos los elementos sonoros. -
Tema y variaciones sobre el deseo del arte.
Tema y variaciones sobre el deseo del arte, se trata de una musicalización del cortometraje animado de la directora Sarah Wickliffe “Art’s Desire. El cortometraje trata de la historia de un personaje que vive dentro del caótico cuatro de Pablo Picasso “Guernica” en vista de las terribles circunstancias a las que está sometida nuestra protagonista, esta decide salirse de este cuadro, lo que da como resultado que nuestra protagonista se trasporte a una sala de un museo arte en el cual se encuentran varios cuadros, de diferentes técnicas de arte pictórico, tales como: Puntillismo, Surrealismo, Cubismo, etc. Ahora nuestra protagonista hace un recorrido a través de los cuadros del museo de arte, con el objetivo de encontrar un cuadro con un ambiente apacible en el cual vivir.
La musicalización consiste en un tema y variaciones. El tema hace alusión a la protagonista mientras que las variaciones hacen alusión a la estética de cada cuadro por el cual ella trascurre. El objetivo principal de la obra es representar a través de la música, las técnicas de arte pictórico anteriormente mencionadas, para esto hemos escogido unos referentes musicales que, desde nuestra perspectiva, logran representar la estética de cada cuadro que se ve en el cortometraje animado. La primera variación hace alusión al Cubismo (técnica usada en el Guernica de Pablo Picasso), para esta variación hemos tomado como referente: La consagración de la primavera Mov. II (Augurios de Primavera) de Igor Stravinsky, por su manejo métrico y rítmico, además de su carácter disonante y hostil. Para la segunda variación hace alusión al Puntillismo (técnica usada en la obra: Tarde de domingo en la isla de la grande jatte de Georges Pierre Seurat), para esta variación hemos tomado como referente, el tema y variaciones de Frederic Rzewski sobre ¡El pueblo unido jamás será vencido! Específicamente la variación número 4, que, a nuestra manera de ver, tiene un efecto puntillista. La tercera variación hace alusión a la corriente Surrealista del arte pictórico (Estética vista en los cuadros de Salvador Dalí), para esta variación, hemos tomado como referente musical a Claude Debussy con su Preludio a la siesta de un fauno, ya que, desde nuestra perspectiva, esta música ilustra el ambiente fantástico contenido en el arte Surrealista. Finalmente, la obra esta echa bajo el formato musical de Ensamble Pierrot, que consta de Flauta, Clarinete, Violín, Violonchelo y Piano, esto con el objetivo de tener una gran variedad de timbres y texturas musicales. -
Improvisaciones sobre pinturas
La presente entrega comprende una muestra audiovisual de un trabajo realizado a lo largo del semestre, en el cual en un formato de dos guitarras eléctricas se realizaron prácticas de improvisación libre a partir de pinturas latinoamericanas.
En este proceso se trabajó con el material de una variedad de artistas latinoamericanos como Diego Rivera, Armando Reverón, José María Velasco y Rufino Tamayo, entre otros. A través de esta práctica surgieron distintas formas de interpretar lo visual en lo musical, dentro de la agrupación.
La muestra que entregamos, es una improvisación libre sobre “Cocoteros en la playa, Macuto”, del pintor venezolano, Armando Reverón. Las texturas exploradas en nuestra interpretación surgen de la búsqueda de representar los elementos de la pintura en la música.